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André Seben é um dos guitarristas mais conhecidos no estado. Natural de Joaçaba e radicado em Florianópolis desde 1980, o músico e jornalista fez incontáveis shows com bandas como Os Udigrudis, Os Chefes, Farra do Bowie, Quarteto Banho de Lua e Dr. Jorge & Mr. Seben, seu último projeto autoral, em que assumiu os vocais ao lado do parceiro e baixista Jorge Gomez (ex-Phunky Buddha). As quatro faixas do EP “Monstros”, lançado no último sábado (27) nas plataformas digitais, são todas dessa fase. As canções foram registradas em vídeo numa apresentação no TAC (Teatro Álvaro de Carvalho), em 2016, mesma época em que essas composições começaram a ser trabalhadas em estúdio. Com a ajuda de amigos de uma vida, como o próprio Gomez, Seben produziu o material, cantou, tocou todas as guitarras, gravou baixo, lap steel e até alguns teclados.

Com Alexandre Green (teclas) e Adriano Barvik (ex-Dazaranha), André Seben não economiza nos riffs e solos de guitarra em um repertório de rock and roll clássico, influenciado por Jimi Hendrix e blues. Compositor bissexto, como o próprio se define, “Monstros” é um registro importante para o músico, que sofreu um AVC (acidente vascular cerebral) em 2024 e está se recuperando muito bem. Esse problema de saúde, inclusive, foi um dos motivos que fez o guitarrista finalizar esse material. Todas as quatro canções são de autoria de Seben (com exceção de “Monstros”, parceria com Hudson Cabala), que trabalhou ao lado de Beto Fonseca, Jeco Thompson e do saudoso Julio Lemos na captação: o EP tem mixagem de Fonseca e masterização de Fábio Della. Em contato com o Rifferama, André Seben falou sobre o momento de lançar essas músicas e também e a sua relação com o material.

— Eu só termino uma música quando acredito bastante nela. Eu tinha feito esse trabalho um pouco antes de começar o Dr. Jorge & Mr. Seben, usei essas músicas naquele projeto, mas as gravações estavam inacabadas. Pensei em terminar e lançar depois que tive o AVC. Eu tinha me proposto a fazer sozinho, me arrisquei em tudo, queria fazer uma música que eu mesmo quisesse ouvir. Pegar uma distância foi essencial para ter lançado “Monstros”. Quando fui ouvir de novo parecia que as músicas não eram mais minhas, parece que foi uma eternidade, mas para mim foi bem normal. O lance do meu problema de saúde pode ter sido determinando para isso também, de enterrar isso. Tive bastante tempo ocioso, que me fez escutar essas músicas de novo e confiar, acreditar nas canções e pensar “isso é bom”.

Ficha técnica

Produção, voz, guitarra, baixo e teclas: André Seben
Co-produção e teclas: Alexandre Green
Bateria: Adriano Barvik
Produção executiva: Nani Lobo
Captação: Beto Fonseca, Julio Lemos e Jeco Thompson
Mixagem: Beto Fonseca
Mixagem adicional e masterização: Fábio Della
Pré-produção: Jorge Gomez
Foto: Zeca Petry

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A Epônima, apesar de ter uma curta trajetória, passa por um momento de reestruturação. Após o EP homônimo, lançado em 2023, a banda de Florianópolis, que hoje consiste em Laura Malmegrin (voz), Giovanni Vellozo (teclados) e Davi Delfino (guitarra), se apresentou e gravou com outros músicos, em experiências e formatos diferentes que foram ajudando a moldar o som que o grupo pratica, que mistura referências da MPB, do indie rock e do progressivo. “Suculenta”, divulgada na última sexta-feira (18) nas plataformas digitais, faz parte dessas experimentações, trazendo uma faceta estética que ainda não tinha sido apresentada até agora. O blues dark, que tem uma letra sobre assédio escrita pela vocalista, foi escolhida como single justamente por isso. A faixa não conversa com o restante do material que a Epônima preparou para o primeiro álbum.

“Suculenta” foi gravada em Palhoça, no Octopus Sound Box, por Dierre Pichorz, responsável pela captação, mixagem e masterização, e a música teve as participações dos ex-integrantes Arthur Magnaleno (voz) e Lucas Ibañez (baixo) e de Oliver Silvestre (bateria, Soul Cream). “Ela é bem fora da curva entre as composições, poderia ter entrado no EP, mas foi bom que não entrou, nós fomos melhorando enquanto músicos, e a música foi tomando outra dimensão dos ensaios e apresentações. Ela seria completamente diferente se tivéssemos lançado há dois anos”, explicou a cantora e compositora. A banda tinha essa música na manga enquanto inscrevia o projeto do álbum em editais. Como o recurso não veio, o trio está estudando a melhor forma de viabilizar esse material. Em contato com o Rifferama, Laura Malmegrin falou sobre os planos para o álbum, a sonoridade diversa da Epônima e também o sobre a atual formação.

— Temos umas dez composições mais ou menos prontas, a gente não quis gravar antes de ter o resultado dos editais, no final quase entramos. Agora temos planos de gravar independente mesmo, estamos vendo a forma mais prática de organizar essas músicas, se como singles, dois EPs, o álbum, estamos considerando as alternativas. “Suculenta” aponta a direção que a banda está tomando, não pelo gênero ou pela atmosfera sombria, mas pelo arranjo, pelas influências do rock progressivo nessas brincadeiras com a estrutura da música, as linhas dos instrumentos. Não tentamos ser uma banda que só faz música de um jeito ou de outro, muitas vezes estamos experimentamos com as características de um gênero ou de outro, dando a nossa própria cara para eles. Nos últimos shows tocamos em trio, tem sido o nosso desafio, (encontrar) pessoas com disponibilidade e vontade: tem que ter tesão pela música. Ao mesmo tempo que está sendo rico essas trocas, queremos voltar a ser uma banda “completa”, mas também não vamos deixar isso nos impedir de fazer música.

Nesta quinta-feira (24), a Epônima faz o show de lançamento de “Suculenta”, no Inferinho da Bro Cave, com Lupino e Metanóia (RS). Ingressos e mais informações. 

Ficha técnica

Vozes: Laura Malmegrin
Teclados e voz: Giovanni Vellozo
Guitarra e voz: Davi Delfino
Baixo e voz: Lucas Ibañez
Voz: Arthur Magdaleno
Bateria: Oliver Silvestre
Edição, mixagem e masterização: Dierre Pichorz

Foto: Arthur Magdaleno

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O cantor, compositor e guitarrista Matheus Libório vem construindo uma obra consistente, com EPs lançados por diversos projetos como Comodoro, Jonas Banda e Carmel. Em 2022, o artista de Balneário Camboriú divulgou o seu primeiro registro solo, “Desespero”, resultado do seu estudo de produção musical. Gravado em trio, o material traz quatro canções e uma sonoridade baseada no rock clássico. “Na certeza do incerto”, seu primeiro álbum, que saiu no começo de novembro nas plataformas digitais, apresenta uma evolução em muitos sentidos, tanto da questão técnica, do trabalho em estúdio, como de composição e estética. A adição de outros instrumentos como teclados e percussão, trouxe outras cores para a música de Libório, que segue influenciado pelos anos 1960 e 1970, mas dessa vez mergulhou de cabeça no blues e também abraça outras referências como o R&B.

Além de Libório (voz e guitarra), responsável pela produção, mixagem e masterização do álbum, participaram das gravações os seguintes músicos: Konrado Schmidt e André Sartén no baixo, André Pelisser e El Cid Ribeiro nos teclados, Amanda Thomsen e Beto Jacobsen na bateria e Binho Toledo na percussão e bateria. A arte gráfica de “Na certeza do incerto”, que fala sobre autoconhecimento, é de Mario Neto. “São músicas que retratam minha jornada pessoal e artística. Gosto de ter o controle das coisas, mas esse álbum fala justamente sobre se entregar à incerteza, idolatrar a dúvida e deixar o destino agir”, comentou o artista. A versatilidade do repertório é o trunfo do material, mostrando algumas facetas que o cantor e compositor ainda não tinha revelado ao público. Em contato com o Rifferama, Matheus Libório falou sobre a realização de lançar o seu primeiro disco e da evolução nos seus estudos.

— O lance do primeiro álbum é um grande barato. O pessoal ficou surpreso, achou que seria um disco de rock and roll puro, a Carmel é super rock clássico. A ideia foi explorar outras sonoridades, Cassiano foi uma grande influência que fez parte da sonoridade do disco, o pop/rock dos anos 70, Jimi Hendrix e o blues elétrico moderno, tá tudo dentro dessa mistura de referências que gosto de ouvir. O próprio “Desespero” e esse álbum são elementos de estudo com relação à produção musical, a parte de entrar no estúdio e gravar, mixar e masterizar. Esses trabalhos são resultados disso, dá pra compreender a evolução desse estudo, o grande processo é tentar extrair, com a acessibilidade da tecnologia, a essência vintage do som, que é a minha referência, os clássicos do rock e do blues. É interessante ver os novos elementos sendo agregados à música, tentar fazer uma coisa diferente do que você fez antes, testar, tentar, arriscar alguma coisa nova. Acho que esse álbum resume isso também, se colocar em perigo.

Ficha técnica

Matheus Libório: Voz, guitarra, composição, produção, mixagem e masterização
Konrado Schmidt: Baixo (Faixas 1, 4, 5, 6, 7 e 8)
André Sartén: Baixo (Faixas 2, 3 e 9)
André Pelisser: Teclado (Faixas 1 e 4)
El Cid Ribeiro: Teclado (Faixas 5 e 9)
Amanda Thomsen: Bateria (Faixas 1, 4, 5, 6 e 8)
Beto Jacobsen: Bateria (Faixas 2, 3 e 9)
Binho Toledo: Percussão (Faixas 1, 4, 7, 8 e 9) e bateria (Faixa 7)
Mario Neto: Arte gráfica
Foto: Heifara Nascimento

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Karina Vicenzi nasceu no Rio Grande do Sul, foi para o Rio de Janeiro com a família ainda criança e viveu grande parte dos seus 36 anos em Cuiabá (MT). Desde pequena, a artista se acostumou com os contrastes, frio e calor, culturas diferentes, sabores, etc. Talvez isso explique a pluralidade das suas canções — entre dezembro de 2022 e setembro do ano passado, Karina lançou quatro singles, cada um com uma estética e clima próprios: a mistura traz R&B, balada ao piano, blues, reggae e pop/rock. Após muitos anos afastada da música (não completamente), em um período que compreendeu uma faculdade de Medicina, a cantora e compositora investiu em aulas de canto e despertou para a escrita na pandemia. Todo aquele potencial acumulado aflorou, tanto que Karina vem recebendo convites para fazer letras para bandas da região.

Em Florianópolis desde 2018, a artista trabalhou com Yuri Koch nos dois últimos singles, “Canto da praia” e “Janelas”, que foram gravados no AeroTullio Sound Distillery e tiveram a participação dos músicos Edu Almeida (baixo), Johnny Sontag (teclados em “Canto da praia”) e Rafael Bastos (bateria). Koch, que tocou guitarra e fez a mixagem e masterização das canções, produzirá o próximo lançamento da cantora, um EP acústico com versões das quatro faixas, mais uma inédita, que ainda não tem nome, mas surgiu em momento inusitado para a compositora. O material será divulgado ainda em 2024. “Acordei no meio da noite com uma melodia na cabeça, não é algo que acontece todos os dias, cantarolei no celular e gravei, no dia seguinte bateu uma urgência em colocar letra naquilo e aconteceu. Foi muito especial. Essa música fala sobre uma pessoa livre, se aventurando nas emoções”, afirmou. Em contato com o Rifferama, Karina Vicenzi falou sobre a sua vinda para Santa Catarina e a musicalidade eclética apresentada nesses singles.

— Como acontece com a maioria das pessoas que visita Floripa, vim na adolescência e me apaixonei, tive o sonho de morar um dia aqui. Gostei não só do clichê da praia, mas do jeito do povo, do clima, da educação, da arquitetura, me identifico com a cultura, acho muito rico, me surpreendeu. Como estava estreando nesse mundo de composição, queria experimentar. Eu compus as quatro músicas na sequência, elas representam uma certa sequência cronológica, mas elas têm o mesmo ponto de partida, que foi o período de luto após um rompimento. A primeira música é “Canto da praia”, que representa o início da descoberta de uma paixão, ela é mais pra cima, me inspirei um pouco no Dazaranha, uma música alegre, com um pouco de blues e jazz. “Espectro” representa o choque de realidade, a decepção, o fim, quis dar aquele ar mais sombrio, ao mesmo tempo tive a ideia de usar o beat. “Noite clara” representa um amor idealizado, que poderia ter sido, mas não foi, não vi outra opção de arranjo que não fosse um piano bem romântico. E “Janelas” representa a pessoa virar a página e abrir as portas para o novo, essa atitude que me trouxe para o pop/rock, representa a mudança.

Foto: Ana Ferraz

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Participante do The Voice 2022, a lageana Camila Alexandre aproveitou a exposição que teve no programa para investir na sua carreira solo. Em agosto do ano passado, a cantora e compositora apresentou a canção “Me peça o que quiser”. A divulgação não foi como o esperado, mas o retorno do público serviu de combustível para continuar trabalhando o seu repertório autoral.  “Eu coloquei o mês errado quando fui preencher os dados para o lançamento, fiz toda a campanha do pré-save, chegou no dia e a música não estava disponível. Todo mundo me mandando mensagem, fui entrar no site e vi essa minha cagada fenomenal”, contou a artista, que corrigiu o erro liberando o single no Youtube no mesmo dia, mas a música saiu nas plataformas digitais um mês depois somente. Gravada no estúdio Chalé 8, “Me peça o que quiser” foi produzida por Alessandro Lopes e teve as participações de Victor Pradella nas guitarras e Rua Alexandre no baixo.

E a produção foi parte fundamental para Camila Alexandre ter a estreia que sempre sonhou, musicalmente falando. Fã da cantora norte-americana Etta James (1938-2012), a artista pretende seguir uma sonoridade blueseira, mas com uma roupagem atual. E aí que entra o trabalho em parceria com o produtor Alessandro Lopes (Nossa Toca). O processo para chegar no resultado de “Me peça o que quiser” envolveu várias etapas e muita conversa. Sem pressa para lançar o próximo single, que ainda não tem nome, Camila Alexandre também pretende experimentar outros estilos, como o soul e outras vertentes da música americana, que são os seus gêneros preferidos para cantar. Em contato com o Rifferama, a cantora e compositora falou sobre os planos para 2024, que incluem uma segunda música, e também comentou sobre a produção e sonoridade de “Me peça o que quiser”.

— Esse single que lancei no ano passado sentei com o violão e em cerca de duas horas estava com a letra e melodia prontas. Inicialmente eu fiz uma levada bem lenta, idealizando já uma pegada mais melancólica, blues mesmo, eu mostrei a música para o produtor e criamos uma playlist para eu colocar as referências que eu gostaria de ter nessa música. Depois ele foi colocando as ideias dele, gravamos a guia e fomos produzindo a música. Foi uma construção em conjunto, da roupagem que a música saiu, quando ela foi finalizada, eu tinha na minha cabeça que ela transmitisse a minha identidade. A minha cantora preferida é a Etta James e eu queria uma pegada assim, mas com uma produção moderna, essa roupagem pop. Nem eu imaginava que a música ficaria tão a minha cara como o resultado final, devo muito isso a abertura que o produtor me deu de deixar bem claro o que eu queria, foi maravilhoso. Meu segundo single está no processo bem inicial de produção, tenho só uma guia gravada, o meu plano é até julho lançar essa música, a estética é parecida com essa, uma levada mais blues com uma produção moderna também.

Foto: Nicole Lima