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Kathy Maurici (voz e baixo) e Beto Barth (bateria) se conheceram quando tocavam em bandas de thrash metal em Brusque. Os dois chegaram a ensaiar juntos, mas a ideia não foi para frente e os dois se reencontraram em um tributo ao Evanescence, que segue em atividade. Desse grupo, que conta também com o guitarrista Thiago Correia, surgiu a Elyra, em 2024. O trio gravou o primeiro EP, “E L Y R A”, no Euphonia Estúdio, com produção, captação, mixagem e masterização de Demis Assis Kohler. Viabilizado pela PNAB (Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura), o registro tem quatro faixas e foi lançado em 15 de novembro nas plataformas digitais. O guitarrista Thiago Correia preferiu seguir apenas com o trabalho cover, mas está presente nos três videoclipes que a banda filmou: “Married With the Devil”, “Panic” e “The Enemy”, todos com direção da cantora.

Atualmente um quarteto, a Elyra também traz na sua formação os músicos Julio Garcez (guitarra) e Edu Martineghi (baixo) — a vocalista assumiu os graves no estúdio para fazer o EP, mas prefere focar na presença de palco nos shows. Desde o começo da banda, Kathy tinha o objetivo de criar uma identidade, longe dos clichês do metal sinfônico, principalmente. A estética da banda mistura influências de grupos como Evanescence, Nightwish, Lacuna Coil, In This Moment e Jinjer, com elementos do sinfônico, mas também do gótico e de algo mais atual, do metal alternativo. A mensagem também é algo importante para a Elyra, que usa como slogan a frase “O caos que liberta”. “Queremos ajudar as pessoas com a nossa música, usar o metal para libertar as pessoas das amarras e coisas ruins”, afirmou a cantora e compositora. Em contato com o Rifferama, Kathy Maurici falou sobre sonoridade de “E L Y R A”, que deve apresentar novidades nos próximos lançamentos.

— Eu queria tentar fazer uma coisa diferente. É difícil inovar, parece que tudo já foi inventado. Uma forma de tentar inovar seria misturar referências e estilos diferentes para não ser só mais uma banda. Sem querer ofender ninguém, acho que o sinfônico parou no tempo, queria fugir desse som datado e trazer elementos novos. Eu nem uso técnicas de vocal lírico, estou estudando os drives para colocar nas músicas e deixar mais com essa cara moderna. A intenção é transitar entre esses três estilos, sem perder a identidade do sinfônico e do gótico, ter essa coisa feminina, mas ao mesmo tempo trazer o peso do metal moderno. Nossa intenção é fazer um álbum, tentar outro edital. Vamos continuar compondo nessa mesma linha, mas como agora entraram novos integrantes será inevitável ter as influências deles para equilibrar com essa identidade que a gente criou e fazer novos trabalhos.

Foto: Rafael Klein

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A TRAN é resultado do encontro de amigos que se reuniam na Udesc, em Florianópolis, para fazer um som. Entre os covers tocados nos ensaios e nas aulas de prática de conjunto, Adrian Soares (guitarra e voz), Giwa Coppola (voz e meia-lua), JP Villas Bôas (guitarra e voz), NIco Schmitz (bateria e voz) e Vi Rigotti (baixo e sintetizador) começaram a criar esboços de músicas de parte do repertório que viria a ser “Escuro iridescente”, EP lançado em 4 de fevereiro nas plataformas digitais. Esse processo vem acontecendo desde 2023 e algumas canções como o single “Mancha”, “Algia” e “Parapeito”, surgiram por necessidade. A professora do curso de Música Valéria Bittar tinha inscrito a TRAN para se apresentar no 13º Seminário Internacional Fazendo Gênero (2024), da UFSC, e a banda teve que preparar um repertório autoral de 30 minutos. “A gente estava de férias da faculdade, pegou essas ideias arquivadas e se encontrava três ou quatro vezes por semana para ensaiar e compor. Foi bem corrido, hoje a gente tem um processo de composição diferente, mas a gente fez acontecer”, contou JP Villas Bôas.

Gravado em cinco diárias no Studio 186, por Misael Pacheco, responsável pela produção musical, captação, mixagem e masterização (confira a ficha técnica completa abaixo), “Escuro iridescente” foi realizado com recursos da PNAB (Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura). O EP tem cinco faixas, a abertura “Entre escombros” e o encerramento “Eu me procuro”, conectadas por uma sonoridade ambiente, espacial e ruidosa, além das três músicas tocadas no evento. O metal progressivo é um gênero que talvez melhor represente a estética do material, mas a TRAN pisa em outros territórios como shoegaze e nu metal, entre outras referências. Musicalmente diverso, o EP se destaca pelos arranjos criativos e performance dos integrantes, seja no instrumental ou nos vocais. “Escuro iridescente” é aventureiro e agressivo, mas também melódico e denso. Em contato com o Rifferama, JP Villas Bôas falou sobre a produção do EP e informou que a TRAN está trabalhando no álbum de estreia.

— Passamos a primeira metade de 2025 pré-produzindo, refinando, antes de gravar. Gravamos primeiro bateria e baixo, a gente ainda não tinha as letras 100%. Aquela parte da “Mancha” com várias vozes, com aquele texto, ao vivo o Giwa só contava alguma história engraçada que tinha acontecido com ele. Enquanto a gente gravava as guitarras, Nico, Giwa e Rigotti criaram o departamento de letras da TRAN, escreviam do lado de fora do estúdio ou iam para a praia pensar. Grande parte das letras são baseadas em poemas do Giwa, que escreve bastante, aí eles terminaram as letras e tivemos essa ideia das moscas do texto com várias vozes. Chamamos o irmão da Rigotti que é entomólogo (especialista em insetos) para nos ajudar a escrever. As coisas foram sendo refinadas até o último momento. Estamos tomando um caminho mais caseiro para o álbum, o que precisar fazer em estúdio vamos fazer e depois juntar esse material e mandar para alguém de fora fazer a mixagem e masterização. Não vamos reaproveitar nenhuma do EP, temos músicas finalizadas ou por finalizar e queremos lançar single, talvez clipe também. É algo que está num futuro não tão distante, mas não tão próximo assim. 

Nesta quinta-feira (12), a TRAN faz o show de lançamento de “Escuro iridescente” no Haôma Baixo Centro, ao lado das bandas DESCULPA e söödio. Os ingressos antecipados estão esgotados, mas haverá lista Trans/PCD/PPI até 30 minutos antes do primeiro show. Mais informações

Ficha técnica

Adrian Soares: Guitarra solo e voz de apoio
Giwa Coppola: Vocalista, letrista e meia-lua
JP Villas Bôas: Guitarra base e voz de apoio
Nico Schmitz: Bateria, letrista e voz de apoio
Vi Rigotti: Baixo, sintetizador, sound design e mixagem adicional
Gabriel Bulbo: Ilustrações e identidade visual
Misael Pacheco: Gravação, produção musical, mixagem e masterização
Ana Paula Mendes: Produção executiva
Vitor M. Rigotti: Letrista
Foto: Georgi Andres

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A Dead Jungle Sledge divulgou “The One Who Burned Bleed”, segundo single do EP “Irrational Beings”, em 25 de abril nas plataformas digitais. Três dias depois, Gabriel Marca (voz e guitarra) e Lucas Gomes (voz e baixo) souberam do falecimento do ex-baterista Vinicius Pagnussat, que tinha voltado a morar em São Joaquim, terra natal dos integrantes, e perdeu a vida em um acidente de carro. A decisão de seguir tocando e lançar o registro foi a forma que os músicos encontraram de homenagear o amigo. “Para nós foi um puta baque, até hoje não tem como não pensar nele todo santo dia. Se ele estivesse na banda acho que a gente nem estaria mais tocando. O fato de ele ter saído antes talvez tenha preparado a gente para seguir em frente. O que restou foi dedicar o EP a ele, o som que está ali é dele, a energia dele. Era o mínimo que a gente poderia fazer”, contou o vocalista e guitarrista.

“Irrational Beings” traz uma sonoridade brutal, com referências de subgêneros como o djent, o deathcore e o death metal. A estética mais sombria da Dead Jungle Sledge está presente também no logotipo, que foi atualizado em relação ao álbum de estreia, “Unmask”, lançado em 2020. O metal alternativo dos primórdios do grupo, que tinha influência do grunge e do stoner, mas também do Sepultura, manteve o groove, mas ganhou contornos extremos. A mudança no som aconteceu por fatores não só musicais. Além da questão da busca por uma identidade e também o amadurecimento dos próprios integrantes, a banda se rotulou de metal extremo alternativo a fim de entrar na cena independente do estado. Em contato com o Rifferama, Gabriel Marca falou sobre a proposta sonora de “Irrational Beings” e os planos com a nova formação, que conta com Lucas Prado (guitarra) e JC Matias (bateria).

— “Unmask” teve um resultado bacana, foi bem produzido, mas era um álbum que começa no grunge e termina mais pesadão. A gente precisava formar uma identidade maior e construir o nosso som. É um bom disco, mas tem algumas músicas que dão esse gosto mais de grunge e stoner, e isso começou a atrapalhar. A gente queria tocar em eventos de metal, se inserir na cena, então naturalmente a gente foi pesando a parada, conhecendo outras influências para chegar nessa sonoridade que a gente estava buscando. No momento a gente pensa em continuar nessa pegada do metal extremo, a gente bota alternativo por não conseguir classificar a banda em um subgênero. Estamos compondo mais músicas e no começo do ano que vem queremos lançar até seis músicas. Vamos estrear essa nova formação em dezembro, com show em Floripa, saindo do hiato desses dois últimos anos. Nossa intenção é voltar mais forte do que antes.

Ficha técnica

Gabriel Marca: Voz e guitarra
Lucas Gomes: Baixo
Vinicius Pagnussat: Bateria
Captação de áudio: Matheus Henschel
Captação de áudio, mixagem e masterização: Leandro Lazzarotto
Captação de áudio instrumental, mixagem e masterização da faixa “Irrational Beings”: Dante Finardi
Foto: Isadora Stefano

O Rifferama tem o apoio cultural de 30 Por Segundo, Mini Kalzone, Camerata Florianópolis, Biguanet Informática, TUM Festival e Desterro Autoral

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Com dois discos e dois EPs (incluindo um de covers de Sepultura, Angra e Dr. Sin) lançados em cinco anos, entre 2018 e 2023, a As the Palaces Burn, de Criciúma, começou um novo capítulo na sua história com a divulgação de “Zodiac”, em dezembro. Primeiro single do próximo álbum, a faixa título traz uma versão mais pesada e progressiva da banda, com um toque de thrash metal, mas mantendo a característica de ter refrãos marcantes. Alyson Alves (voz), Diego Bittencourt (guitarra e voz) e Gilson Naspolini (bateria) registraram o material em três etapas, finalizando no estúdio Elephant Office, em Governador Celso Ramos, onde o Angra fez o seu último trabalho, “Cycles of Pain”. A produção ficou a cargo de Adair Daufembach, que também foi o responsável pela mixagem e masterização e gravou baixo, teclados e instrumentos virtuais — o baixista Thiago Tigre entrou para o grupo com o disco já pronto.

“Zodiac”, que também foi lançada no formato lyric video, com direção de Danilo Anastácio, fala sobre o famoso serial killer que virou tema de filme de David Fincher em 2007 e até hoje não teve a sua identidade descoberta. A música foi escrita após uma provocação de Adair Daufembach, que sugeriu aos integrantes da banda que escrevessem sobre algum fato histórico. O baterista Gilson Naspolini tinha lido um livro sobre o tema e levou a ideia para ser trabalhada em conjunto no estúdio. “Ela reflete a visão sombria e introspectiva do assassino e se conecta com “Arcanum” (do primeiro álbum, de 2019). Embora a original não abordasse esse tema, criei uma nova interpretação para ligar as duas faixas, unindo o mistério de “Arcanum” com a narrativa obscura de Zodiac”, contou. A influência do produtor, parceiro da banda desde o começo, se nota também no som. O vocalista Alyson Alves comentou sobre a sonoridade do novo álbum.

— Esse processo foi um dos mais focados e desafiadores que já passamos. A pré-produção iniciou de forma remota e entramos em estúdio com boa parte do disco resolvido. Ainda assim, o Adair trouxe novas ideias, com sua visão técnica e criativa que elevou cada faixa a um nível mais alto. O que diferencia é a questão dos refrãos, que estão mais na cara, mais bem produzidos, têm orquestração. Então tem uma sonoridade um pouco mais moderna e isso se reflete em toda a produção. Mas o nosso material foi mudando a cada trabalho. Temos agora uma fusão do passado com o presente.

Ficha técnica

Produção, mixagem, masterização, baixo, teclados e instrumentos virtuais: Adair Daufembach
Letra e bateria: Gilson Naspolini
Música: Gilson Naspolini e Diego Bittencourt
Voz: Alyson Alves
Guitarras e voz: Diego Bittencourt
Vídeo: Danilo Anastácio
Foto: Eduardo Köenig

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O multi-instrumentista e produtor Henrique Caramuru faz um som alternativo, que é rotulado como shoegaze, trazendo uma parede sonora, com camadas de efeitos, uma voz distante, quase ininteligível, guitarras melódicas e muita melancolia. Nessa mistura, o artista adicionou gritos desesperados e mais elementos de gêneros como o eletrônico e o metal, fazendo do seu álbum de estreia, “Um fim doloroso para uma memória em esquecimento”, lançado em abril nas plataformas digitais, um trabalho único. E o mais impressionante desse registro é que o músico de 16 anos fez tudo isso sozinho em casa, em Florianópolis. Natural de Rondônia, o jovem reúne influências de bandas novas como Sleep Token, Thornhill e Loathe, com nomes da cena brasileira de shoegaze como terraplana, e Deftones, certamente, para guiar a sonoridade do seu projeto, batizado de ilyushin.

Apaixonado por aviação desde pequeno, o jovem se inspirou na fabricante de aviões civis e militares da antiga União Soviética para dar nome a sua banda. No momento, a ilyushin não tem pretensão de fazer shows, o projeto é levado como hobby para fins de expressão e contribuir com a cena de shoegaze da região. O objetivo do artista é aprimorar o processo de gravação e também se desenvolver como instrumentista e cantor. Na próxima sexta-feira (23), data em que comemora 17 anos, a ilyushin divulga a versão deluxe do álbum “Um fim doloroso para uma memória em esquecimento”, com mais cinco faixas, incluindo versões com participações e novas músicas — “eu te odeio, shin”, foi o primeiro single apresentado dessa leva de inéditas. Em contato com o Rifferama, Henrique Caramuru falou sobre a sonoridade original do projeto, que ainda traz referências de post-punk, noise, dream pop e outros estilos.

— Esse projeto existe desde 2022 quando lancei um EP de quatro músicas, no ano seguinte fiz uma coisa ou outra, mas nada muito consistente. No final de 2023 acabei escrevendo “Seu olhar”, que se destacou do resto do trampo e pensei que seria uma oportunidade de reiniciar o projeto, então comecei a trabalhar no álbum. Minha música é um reflexo da minha vida e eu ri muito quando tomei a decisão de fechar o álbum com uma música pesada daquelas (“Ataraxia”). Acho que foi uma decisão boa porque são os mesmos sentimentos, a mesma estética, a mesma história sendo contada, mas com uma intensidade e perspectiva diferentes. Se no começo do álbum as músicas têm um tom meio agridoce, inseguro, mas talvez um pouco otimista, no final aquela música representou uma certa vulnerabilidade, como se os filtros tivessem sido removidos. Eu sempre ouvi muito Bring Me the Horizon, eles tiveram várias fases, do deathcore até o pop, às vezes misturando os dois na mesma música, então eu gosto de brincar com extremos, contraste.