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Antes fazer um concerto de música erudita com as obras “Sinfonia nº5 “, de Ludwig van Beethoven (1970-1827) e “Concerto para Violino nº 1”, de Max Bruch (1838-1920), na última quarta-feira (18), a Camerata Florianópolis anunciou a sua participação no International Java Jazz Festival. O evento, que está na sua 21ª edição, tradicional do gênero, que acontece entre os dias 29 e 31 de maio, em Jacarta, na Indonésia. A notícia foi informada no palco Teatro Ademir Rosa, do CIC (Centro Integrado de Cultura), na presença do fundador do festival, Peter Gontha, ao lado do maestro Jeferson Della Rocca, da diretora de produção da orquestra, Maria Elita Pereira, da cantora Cláudia Bossle e da presidente da FCC (Fundação Catarinense de Cultura), Maria Teresinha Debatin.

A Camerata Florianópolis apresentará um repertório de música brasileira, do choro à bossa nova, passando pelo erudito, com obras clássicas como “Tico-tico no fubá” ( Zequinha de Abreu, 1917), “O trenzinho do caipira” (Heitor Villa-Lobos, 1930), “Garota de Ipanema” (Tom Jobim/Vinicius de Moraes, 1962), entre outros sucessos. Além da orquestra, participam do Java Jazz Festival artistas como o multi-instrumentista e produtor norte-americano Jon Batiste, conhecido pelos trabalhos com Beyoncé, Lana Del Rey, WILLOW e mais, e Incognito, banda inglesa precursora do acid jazz. O concerto na Indonésia será a terceira experiência fora do país da Camerata, que fez duas turnês, em 2005 na Alemanha, França e Espanha e em 2008 na Itália.

De acordo com o maestro Jeferson Della Rocca, a opção pelo repertório dialoga com a proposta do evento, conhecido por reunir países de todo o mundo e valorizar a diversidade cultural. “Levar um programa dedicado à música brasileira para um festival como o Java Jazz é uma forma de mostrar a riqueza e a versatilidade do nosso repertório. É um encontro entre culturas que se dá por meio da música”, ressaltou. Com mais de 30 anos de história, a Camerata Florianópolis tem cerca de 1700 apresentações realizadas desde a sua fundação, em 1994, com 12 álbuns e seis DVDs gravados. Nos últimos anos a orquestra vem se notabilizando por unir a música erudita com diferentes linguagens musicais, como o reggae, o eletrônico, o rock, o sertanejo, entre outros estilos, sempre valorizando os talentos locais.

“Esse convite chega como um reconhecimento importante ao trabalho que a Camerata Florianópolis vem desenvolvendo ao longo dos anos. É também uma oportunidade de levar a música brasileira para novos públicos e representar Santa Catarina em um evento de alcance mundial”, destacou a diretora de produção da orquestra, Maria Elita Pereira.

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Foto: Pedro Malaman

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O Quarteto Nume, formado em 2024, se diferencia de outros projetos de música erudita por trazer elementos da cultura catarinense para os seus trabalhos. O álbum de estreia, apresentado no mesmo ano, foi inspirado no Boi de Mamão, patrimônio imaterial de Florianópolis. No dia 23 de dezembro, Iva Giracca (violino), Mario Marçal Jr. (violino), Mariana Barardi (viola) e Raphael Buratto (violoncelo) lançaram o seu segundo registro, “Povos de Santa Catarina”. Com arranjos de Javier Venegas, o Quarteto Nume preparou um repertório para homenagear algumas das etnias que ajudaram a formar a identidade plural do nosso estado: poloneses, italianos, japoneses, alemães, açorianos, ucranianos e austríacos. As sete faixas foram gravadas e mixadas por Beto Fonseca, no Estúdio Um Lugar, enquanto a masterização ficou a cargo de Mario Marçal Jr. A arte da capa foi pintada por Raphael Buratto.

Proposta executada pelo Governo do Estado de Santa Catarina, por meio da FCC (Fundação Catarinense de Cultura), com recursos do Governo Federal e da PNAB (Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura), “Povos de Santa Catarina) tem músicas do folclore tradicional de cada país e também compositores como Angelo Giusti (1848-1929) e sua “Mérica, Mérica”, que narra a experiência dos imigrantes italianos no Brasil, entre outros. O repertório foi escolhido com o objetivo de criar uma narrativa que percorre diferentes raízes e histórias, buscando incorporar características sonoras que dialogassem com a linguagem musical de cada cultura, construindo um álbum que fosse representativo, no sentido de provocar lembranças por meio de referências e elementos de identidade cultural, mas também que fosse diversificado do ponto de vista estético. Segundo a violista Mariana Barardi, foi um trabalho de muita pesquisa.

— Uma das visões do quarteto é trazer música inédita e de que alguma forma represente a cultura de Santa Catarina, o estado que a gente escolheu viver. Esse álbum veio dessa ideia, de algo que representasse os imigrantes que colonizaram SC. Viajamos muito por todo o estado nos últimos 20 anos em que toco em orquestra e é interessante ver como esses povos têm uma cultura muito forte em diversas cidades. Dessa vez escolhemos falar sobre isso, de quem fez essa travessia, veio de fora, colocou suas coisas num barco e vieram para essa terra prometida que foi Santa Catarina. Fizemos diversas pesquisas, cada música que era escolhida a gente olhava versões para ter certeza de que fosse algo representativo de fato, reconhecido e valorizado pelo povo que a gente homenageou. Todas as faixas trazem alguma lembrança da terra natal ou do próprio processo de imigração, histórias que costuraram o álbum. 

Ficha técnica

Iva Giracca: Violino
Mario Marçal Jr.: Violino e masterização
Mariana Barardi: Viola
Raphael Buratto: Violoncelo e arte da capa
Javier Venegas: Arranjos
Beto Fonseca: Captação e mixagem
Foto: Raphaella Cavalheiro

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O pianista e compositor Edson Sant’anna começou a tocar ainda criança, em Joinville, primeiro na igreja, acompanhando os mais velhos no violão e depois passou para o teclado quando os amigos do bairro tiveram a ideia de montar uma banda. A descoberta do jazz transformou o catarinense em um estudioso do instrumento. Vivendo em São Paulo desde 2005, Sant’anna estudou com Almeida Prado e se formou em piano erudito, composição e também se tornou mestre em música. Com muitas gravações no currículo, incluindo trabalhos de outros artistas, participação em trios e outros projetos, faltava um álbum para chamar de seu. Em 2017, o pianista lançou o registro ao vivo “Bopville”, um estudo da linguagem do jazz gravado em quinteto e também uma homenagem aos seus ídolos. Um trabalho importante, mas que não contempla o artista na sua totalidade. “Edson Sant’anna Trio”, divulgado em 31 de janeiro, tem esse caráter representativo.

Gravado em dois dias de fevereiro do ano passado no estúdio Gargolândia (SP), com captação, mixagem e masterização de Tiago Monteiro, o primeiro álbum de estúdio de Edson Sant’anna conta com sete faixas, sendo três versões e quatro temas autorais. O trio é formado por Bruno Migotto (contrabaixo) e Bruno Tessele (bateria) e faz uma música que dialoga com as principais referências do pianista, que são o jazz, a música brasileira e o erudito. Mas a criação é coletiva e o improviso é parte fundamental dessa mistura: a composição é o norte, mas muito do que se ouve em no disco não foi combinado — algumas das passagens são feitas em tempo real, no estúdio. Por isso que Sant’anna fala em fotografia ao descrever a sonoridade desse trabalho. Em contato com o Rifferama, o pianista comentou sobre a sintonia com o seu trio, trunfo da musicalidade apresentada no álbum.

— O álbum que estou lançando agora é uma fotografia muito mais realista sobre as minhas ideias de música e poética musical. Ele tem uma fotografia mais atual dessa síntese da música brasileira, jazz e música clássica. O “Bopville” fiz para soar como aqueles quintetos de jazz e para os músicos improvisarem. Esse de trio é um álbum de improvisação coletiva. Como a gente toca há muito tempo juntos, a gente já tem uma linguagem, se conhece muito musicalmente. O que rola não é só a improvisação em cima das composições ou arranjos, é a criação em tempo real, novas partes paras as músicas que não estavam combinadas antes. A gente está o tempo todo negociando com as partes compostas com partes que a gente não tem a menor ideia do tamanho, do quanto vamos esticar, depende da improvisação na hora. É uma das coisas mais bonitas de se fazer em música, só acontece quando você está com pessoas com quem você tem alta sintonia musical. A gente respira junto, pensa junto, os três adoram improvisar.

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Um dos programas preferidos da filha do violinista Mario Marçal Jr., Valentina, de apenas três anos e meio, é ver o Boi de Mamão. Certo dia, o músico começou a tocar um tema da brincadeira em casa e recebeu a aprovação imediata da pequena. Naquele momento teve um estalo. E se ele fizesse um álbum contando a história de uma das tradições mais populares do litoral catarinense, oficializada patrimônio imaterial cultural de Florianópolis pelo decreto 20.629/2019? E foi assim que surgiu “O Boi de Mamão”, trabalho autoral de estreia do Quarteto Nume, formado na época da gravação, neste primeiro semestre, pela também violinista Iva Giracca, pela violista Mariana Barardi e pela violoncelista Gabriela Bock. Com produção musical, captação, mixagem e masterização de Marçal Jr. e artes de Mariana, o projeto foi selecionado pelo Edital D+ Lei Paulo Gustavo LPG SC 2023 – executado com recursos do Governo Federal e Lei Paulo Gustavo de Emergência Cultural, por meio da Fundação Catarinense de Cultura.

“O Boi de Mamão” traz sete faixas, que foram escritas por Javier Venegas e brincam com as melodias e personagens conhecidos (Maricota, Bernunça, a benzedeira e mais) dessa manifestação cultural, registrada pela primeira vez no estado em 1870, nas proximidades da Praça XV de Novembro, em Florianópolis. O grande trunfo do disco é trazer a cultura popular para a música erudita, algo que o Quarteto Nume soube fazer com maestria, executando os arranjos criados por Venegas. Contar uma história apenas com as cordas fazendo o instrumental foi um desafio, tanto para o compositor, quanto para os músicos, todos integrantes da orquestra Camerata Florianópolis. Em contato com o Rifferama, o produtor executivo Mario Marçal Jr., falou sobre a inspiração para tirar o projeto do papel e também sobre a musicalidade de “O Boi de Mamão”.

— A minha filha não pode ouvir falar do Boi de Mamão, ela sempre quer ver. Eu estava no estúdio e comecei a tocar um tema e ela adorou. Não achei nada relacionado para cordas e foi na mesma época em que saiu esse edital. No início pensei em eu mesmo fazer, mas o Javier é um cara super criativo, ele não conhecia muito a tradição, então a gente foi envolvendo ele na cultura, fiz o papel de produtor mesmo, dando a direção para ele na questão da escrita, do que a gente precisava. O Boi de Mamão é uma história muito verbalizada, sempre tem alguém narrando, as melodias são bem simples, tivemos que dar um jeito de traduzir para a música pura, sem letra, sem voz. Qualquer melodia pode ser transformada em erudita. O Beethoven com um toque de batida de porta fez uma sinfonia. É uma experiência criativa muito bacana pegar qualquer som e tentar reproduzir, tirar algo belo daquilo, transpor outras coisas que não são próprias daquele instrumento. Gosto dessa mistura.

Foto: Tóia Oliveira

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O cantor e compositor Carlos Careqa nasceu em Lauro Müller, mas seguiu para Curitiba com a família aos quatro anos de idade. O artista, que também é ator, tem poucas lembranças de Santa Catarina, onde nunca se apresentou, com exceção das visitas aos avós e de passar as férias na casa de um tio-avô, no Estreito, em Florianópolis, durante a adolescência. Radicado em São Paulo desde os anos 90, Careqa, que também passou por Estados Unidos, Alemanha e Suíça, tem uma extensa discografia em mais de 30 anos de carreira. Somente de 2020 para cá, o músico publicou 11 discos nas plataformas digitais, incluindo trilhas sonoras para peças de teatro. O seu mais novo trabalho é o álbum “Mãe – Todo artista tem”, que saiu na última quinta-feira (18) e traz canções em homenagem às mães de compositores famosos como Bach, Chopin, Mozart, Tom Jobim, Villa-Lobos, Pixinguinha, entre outros. O material tem produção e mixagem de Mario Manga e masterização de Marcio Nigro.

O álbum traz a mãe do artista, dona Izolete Campos de Souza, retratada na capa, de autoria de Edson Kumasaka e Denise de Souza, e apresenta a versatilidade musical do compositor, que já gravou com nomes como Chico Buarque, Jards Macalé, Itamar Assumpção, Chico César, Ná Ozzetti, entre muitos outros. “Mãe – Todo artista tem”, fica entre a música brasileira e o erudito, mas também abraça outras sonoridades, como na faixa “La Madre de Piazzolla”, que conta com a participação do cantor argentino Omar Giammarco. A exemplo de “Mini Songs” (2021), que traz 60 canções de até um minuto de duração, incluindo “A mãe de Beethoven”, incorporada ao novo disco, que retorna a esse formato. “Parece bem óbvio e é isto mesmo. São canções que exaltam o papel das mães na concepção e criação de grandes compositores”, afirmou. Em contato com o Rifferama, Carlos Careqa falou sobre a inspiração para fazer o álbum e também a musicalidade variada da sua obra.

— Durante a pandemia comecei a ver documentários sobre Beethoven, Bach, Mahler, Chopin, etc., etc., e tive a ideia de fazer pequenas canções homenageando as mães desses compositores, que foram todas na sua grande maioria sofridas. Produzi vários discos nesse período, foi um motivo e uma oportunidade que vi de fazer e realizar algumas ideias minhas. Essa variedade de rimos eu credito ao fato de que eu escuto de tudo e gosto de música em geral. Não tem um gênero específico, ultimamente tenho escuto mais música erudita, que também tem uma diversificação de ritmos, propósitos e propostas. No meu caso, trafego nessa coisa que chamam de crossover, uma mistura de música popular com erudita. Acho que é por isso. Mas também não me foge a vontade de um dia fazer um disco de samba, ou de valsa, ou de tango.

Foto: Milton de Biasi