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O guitarrista, compositor e produtor musical Deny Rodrigo Bonfante, de Blumenau, não segue tendências. Com mais de 30 anos de carreira, que começou “oficialmente” em 1998 com o lançamento de “The Dark Way Project”, primeiro CD demo da Perpetual Dreams (se chamava Symphony entre 1995 a 1998), banda de metal melódico/hard rock, o artista tem dez álbuns no currículo, sem contar os materiais ao vivo (em áudio e vídeo) e promocionais. “Midnight Star” (2011), seu disco de estreia solo, inaugurou a sua primeira trilogia instrumental, com uma sonoridade voltada para o estilo neoclássico, influenciado principalmente pelo sueco Yngwie Malmsteen. Os dois registros seguintes, “Spirit of Light” (2015) e “Stronger Than Darkness” (2019) trazem faixas com Ariel Coelho nos vocais. Em 2020, Bonfante divulgou o capítulo inicial de mais uma trilogia: Triskle Acoustic Project.

Inspirado pela sua experiência como autor de trilhas sonoras para programas de TV, o músico fez três álbuns instrumentais de violão, solo ou com banda e orquestra, numa abordagem próxima do erudito, com a execução virtuosa de sempre. “Aurora Call”, o último volume da série, que tem também “Silver Arrow” (2023) e “Sunstorm” (2020), combina faixas inéditas e releituras acústicas de composições de álbuns anteriores. Todos os discos foram produzidos pelo guitarrista no RVB Estúdios. “É outra forma de abordar as músicas, foi bem desafiador fazer soar bem com outra estética, tem que superar ali, quebrar a cabeça para encaixar certinho”, comentou o artista, que tem novidades. Além de preparar mais uma trilogia, dessa vez com vocais, a Perpetual Dreams está preparando um novo disco. Em contato com o Rifferama, Deny Bonfante deu detalhes sobre os próximos projetos e falou sobre o seu método de trabalho.

— Tenho separado os meus trabalhos em trilogias, dá para mostrar melhor as ideias e compor mais. Sempre fui mais fã da ideia de álbum, nunca fui adepto do single. Os meus primeiros três álbuns solo foram com bateria, baixo e guitarra, nesse projeto da trilogia de violão comecei a fazer algumas releituras das músicas instrumentais, mas com essa pegada de violão e orquestra, mais trilha sonora de filme. Estou gravando o primeiro disco de uma nova trilogia, eu pretendo cantar em pelo menos uma boa parte delas. Acho que chegou a hora de fazer algo nesse caminho, não é todo mundo que se envolve com música instrumental. Será um álbum mais hard rock, outro mais para o melódico e progressivo e outro mais heavy metal tradicional. Espero lançar o primeiro volume daqui um ano. Em paralelo estamos fazendo um trabalho novo com a Perpetual Dreams, que ainda está ativa, mas um pouco mais em estúdio.

Foto: Wanderson Damasceno

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Trovão Rocha (baixo), Gabriel Barbalho (trompete) e Lucas Fê (bateria) apresentam nesta quinta-feira (26), no Bugio Trindade, em Florianópolis, o repertório do álbum de estreia do MABI, grupo formado pelos três. Já disponível nas plataformas digitais, o trabalho é resultado de um encontro que não acontece sempre: os músicos se reuniram em uma casa para escrever o material tendo a improvisação como base e, o projeto que seria um EP de cinco faixas virou um disco com nove composições. MABI, sigla para música afro-brasileira improvisada, é um manifesto sonoro e político sobre o apagamento da herança preta na música brasileira. As ideias que surgiram dessa convivência, experimentações e conversas (tão importantes quanto o fazer som) foram gravadas pelo produtor Francis Pedemonte, e então o trio seguiu para o estúdio The Magic Place registrar os temas com Renato Pimentel, processo que aconteceu nos dias 23 e 24 de outubro de 2025 — confira a ficha técnica abaixo.

“MABI” tem as participações de François Muleka em “Irmandade preta”, single que antecedeu a divulgação do álbum, e Marissol Mwaba em “Aclimação”, irmãos de som e na vida, e por que não também do baixista de Trovão Rocha, que já esteve em diversos projetos com ambos os artistas. “O convite para o François tem a ver com a vivência, esse lado da relação pessoal mesmo. É um artista que a gente admira, um super músico e estava lá participando com a gente dessa história. A Marissol dialoga com essa proposta do grupo, desse nome, que é um jeito de chamar a música mais do que qualquer coisa, um exemplo de criação espontânea. O disco tem uma curva que o momento alto é justamente a participação dela, depois a gente entrega o disco”, comentou. Em contato com o Rifferama, Trovão Rocha falou também sobre a estética do MABI oferece, que parte de um modelo de proposta diferente.

— O Gabriel e eu já trabalhamos aqui em outros projetos, eu reencontrei o Lucas há alguns anos em uma jam session em que o Gabriel também estava, mas não tocamos e ficamos de fazer algo juntos. Quando teve as enchentes no Rio Grande do Sul, em 2024, o Lucas mandou mensagem, ele estava sem perspectiva de trabalho, quando ele conseguiu vir a gente fez uma data em trio na Bugio Trindade. A gente chegou sem combinar o que ia tocar, tinha um repertório, uma música ou outra, a gente só saiu tocando e já foi o melhor som da vida até aquele momento. É a sensação de toda vez que a gente toca junto, sempre surpreendente, sempre tem momentos de criação espontânea nos shows, de improvisação livre. A gente se achou na estética dentro disso. Não é um som que dá pra falar o que é, esse é o processo que a gente faz nessas músicas, com o ouvido aberto e tocando juntos. Sou muito grato aos parceiros pela experiência de fazer isso com eles.

Esse projeto é patrocinado pela Prefeitura de Florianópolis, Secretaria de Cultura, Esporte e Lazer, Fundação Cultural de Florianópolis Franklin Cascaes, Ministério da Cultura e Política Nacional Aldir Blanc por meio do edital público projeto de fomento à cultura Lidio Augusto Costa (seu Lidinho), edital nº 041.000/SMLCP/2024.

Ficha técnica

Baixo: Trovão Rocha
Trompete: Gabriel Barbalho
Bateria: Lucas Fê
Participações: François Muleka em “Irmandade preta” e Marissol Mwaba em “Aclimação”
Direção musical: MABI
Produção musical: Francis Pedemonte e MABI
Captação de áudio: Francis Pedemonte e Renato Pimentel
Assistente de captação: Ale Clemente
Mixagem: Francis Pedemonte
Masterização: Homero Lottito
Distribuição: Tratore
Produção executiva: Luanda Wilk
Captação de vídeo: Ananda Torres, Vitória Drechsler e Matheus Trindade
Edição de vídeo: Renata Gordo
Identidade visual e design gráfico: Lara Lodi
Fotos capa: Matheus Trindade
Fotos Making Off: Vitória Drechsler
Produtora Acessibilidade: Thuanny Galdino
Assessoria de Imprensa: Karó Comunicação

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Desde 2022, a Roda de Choro Mulheril vem sendo responsável não só como um dos movimentos que revitalizaram a vida cultural do Centro Leste de Florianópolis, mas também, e principalmente, por promover a inclusão e representatividade feminina na cena musical da cidade. Idealizado por Angela Coltri (flauta) e Natália Livramento (violão sete cordas), o projeto, realizado aos sábados, a partir das 14h, na rua Victor Meirelles, em frente ao Bugio Centro, também virou festival e trouxe Angela de volta para o choro. Natural de Bauru (SP), a flautista e compositora começou a tocar aos 18 anos e logo foi estudar no renomado Conservatório de Tatuí. O álbum “Eclipse”, lançado em 23 de dezembro nas plataformas digitais, traz um repertório de oito faixas, incluindo algumas que são executadas na roda, todas escritas pela instrumentista, que também produziu o registro e criou os arranjos para os temas. 

“Eclipse”, um dos melhores trabalhos de 2025 segundo o Rifferama, não é um disco de choro qualquer. Primeiro, por não fazer uma releitura da linguagem ou trazer regravações: é um trabalho autoral, com as referências de Angela como musicista. E, mais importante, não soa como outros álbuns de choro, por misturar gêneros diferentes como o samba e ritmos latino-americanos e caribenhos. Com diferentes formações em estúdio, incluindo um tema com quatro flautistas (é acompanhada por Valentina Bravo, Mayara Araújo e Caroline Cantelli), o material foi composto para soar coeso esteticamente, apesar da variedade de estilos e também da quantidade de instrumentistas envolvidos — confira a ficha técnica abaixo. Em contato com o Rifferama, Angela Coltri celebrou o lançamento de “Eclipse”, que abriu as portas para novas pesquisas.

— Ele é um álbum de choro, mas diferente do lugar comum. Tem a ver com a minha trajetória, é um compilado de várias linguagens musicais que absorvi como intérprete fazendo arranjos. Tem um pouco de cada coisa dentro desse trabalho que foi se refletindo nas composições. Eu sempre quis fazer um álbum que a pessoa ouvisse como se fosse um livro, uma música fazendo sentido depois da outra, uma coisa que não fosse desconectada. Apesar de ser um trabalho de composição muito amplo, quis manter uma unidade e essa sensação de que é uma obra foi cumprida. Eu achei que ficaria perdida depois de terminar isso, mas me sinto muito inspirada para pesquisar coisas novas. Finalmente consegui materializar esse processo de pesquisa que eu fazia há muitos anos, agora que o trabalho está pronto para circular, estou com vontade de pesquisar outras formas de escrita, outras formações, tenho essa vontade de fazer coisas novas e diferentes.

Ficha técnica

Produção musical, composições e arranjos: Angela Coltri
Produtora geral: Valentina Bravo
Técnica de gravação: Roberto Fonseca e Adonias Souza Jr.
Engenharia de áudio: Felipe Corbani e Adonias Souza Jr.
Flauta: Angela Coltri, Valentina Bravo, Mayara Araújo e Caroline Cantelli
Flautim: Angela Coltri
Saxofone soprano: Daniela Spielmann, Eduardo Neves e Fabi Ortega
Saxofone tenor: Daniela Spielmann e Eduardo Neves
Clarinete e clarone: Aline Gonçalves e Tammy Okada
Violão de sete cordas: Gabriel Deodato, José Valencia e Natália Livramento
Cavaco: Caio Vinícius e Eduardo Rukat
Piano: Samuel Kartes e Claudia Rivera
Percussão: Everton Reis, Alexis Damián, Rodrigo Campos e Alexandre Damaria
Baixo: Gustavo Martinez, Pablo Lazarte e Trovão Rocha
Guitarra e violão: Gustavo Messina
Bateria: Victor Bub
Direção de arte: Alice Assal
Designer gráfico: Lídia Brancher
Fotografia e vídeos: Sabrina Stahelin
Assessoria de Imprensa: Marina Sartori
Assessoria de mídias: Caroline Cantelli
Maquiagem: Dauan Lopes

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Com mais de dez anos de trajetória atuando como intérprete e concertista de violão solo, arranjador e professor, Matheus Laurentino divulgou em novembro o seu primeiro registro, “Lagoa Mirim”. Com quatro faixas autorais e uma versão para o clássico “Brejeiro” (1893), do compositor e pianista Ernesto Nazareth (1863–1934), o EP traz o artista de Imbituba acompanhado por Rodrigo Villanueva (cajón) e Israel Andrade “Libertu” (clarinete e pandeiro), que também assina a produção do material. O registro foi viabilizado pela PNAB (Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura) e captado no estúdio Laranja Crava Records, com engenharia de áudio de Joel Ramos. Nas faixas em que Laurentino toca com outros instrumentistas, não houve edição (sem gravações adicionais, os chamados overdub), priorizando uma interação mais viva entre os músicos, sendo possível ouvir os temas na sua forma real, sem correções.

“Lagoa Mirim” retrata as influências de Matheus Laurentino como violonista e explora algumas das linguagens que estudou, como choro, samba e chamamé. As composições têm referências não só musicais, mas também foram inspiradas por características e lugares da cidade natal do músico, como a faixa título, que foi escrita durante a pandemia em uma das idas de Laurentino ao local, ou “Vento Nordeste”, fenômeno comum na região. “Aqui tem esse vento que a gente chama de Nordeste, que é fortíssimo. Estava em casa estudando, o vento batendo janela, e me veio essa melodia, foi surgindo a peça toda. As músicas têm essa vibe de explorar coisas que eu estava estudando na época e a influência dos violonistas. Eu não penso no que vou compor, elas vêm. “Lagoa Mirim” literalmente aconteceu isso, estava fazendo um som na lagoa e tinha um grilo em mim, aí fiz uma levada de samba e choro e ela foi aparecendo na mão”, afirmou. Em contato com o Rifferama, Matheus Laurentino falou sobre o seu histórico na música e a homenagem a Ernesto Nazareth.

— Comecei a tocar guitarra com 11 anos e quando decidi que queria fazer faculdade na Udesc, eu caí de cabeça no violão erudito, me apaixonei, mas sempre fui do improviso por causa da guitarra e isso me levou para o violão brasileiro. O sete cordas apareceu na minha mão com 17 anos e comecei a estudar, tirar peças, e dar aula. Passei no vestibular, mas também busquei muita coisa por conta própria, sem o método eu fui criando esse método. Precisava de um direcionamento. Eu tirava coisas que às vezes esquecia ou não ficava bem na mão e isso foi me dando material para criação. As músicas partem desse meu estudo do violão brasileiro, tocando, tateando, eu comecei a compor quando comecei a tocar violão. Escolhendo “Brejeiro”, eu tiro o chapéu para os grandes músicos que estou sempre estudando e tento olhar para cima, botar para fora outras coisas. O violão solo é uma coisa muito de desapego, sempre tem uma coisa ou outra para arrumar, mas fizemos o projeto e lançamos. 

Foto: Raul Silter

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O Quarteto Nume, formado em 2024, se diferencia de outros projetos de música erudita por trazer elementos da cultura catarinense para os seus trabalhos. O álbum de estreia, apresentado no mesmo ano, foi inspirado no Boi de Mamão, patrimônio imaterial de Florianópolis. No dia 23 de dezembro, Iva Giracca (violino), Mario Marçal Jr. (violino), Mariana Barardi (viola) e Raphael Buratto (violoncelo) lançaram o seu segundo registro, “Povos de Santa Catarina”. Com arranjos de Javier Venegas, o Quarteto Nume preparou um repertório para homenagear algumas das etnias que ajudaram a formar a identidade plural do nosso estado: poloneses, italianos, japoneses, alemães, açorianos, ucranianos e austríacos. As sete faixas foram gravadas e mixadas por Beto Fonseca, no Estúdio Um Lugar, enquanto a masterização ficou a cargo de Mario Marçal Jr. A arte da capa foi pintada por Raphael Buratto.

Proposta executada pelo Governo do Estado de Santa Catarina, por meio da FCC (Fundação Catarinense de Cultura), com recursos do Governo Federal e da PNAB (Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura), “Povos de Santa Catarina) tem músicas do folclore tradicional de cada país e também compositores como Angelo Giusti (1848-1929) e sua “Mérica, Mérica”, que narra a experiência dos imigrantes italianos no Brasil, entre outros. O repertório foi escolhido com o objetivo de criar uma narrativa que percorre diferentes raízes e histórias, buscando incorporar características sonoras que dialogassem com a linguagem musical de cada cultura, construindo um álbum que fosse representativo, no sentido de provocar lembranças por meio de referências e elementos de identidade cultural, mas também que fosse diversificado do ponto de vista estético. Segundo a violista Mariana Barardi, foi um trabalho de muita pesquisa.

— Uma das visões do quarteto é trazer música inédita e de que alguma forma represente a cultura de Santa Catarina, o estado que a gente escolheu viver. Esse álbum veio dessa ideia, de algo que representasse os imigrantes que colonizaram SC. Viajamos muito por todo o estado nos últimos 20 anos em que toco em orquestra e é interessante ver como esses povos têm uma cultura muito forte em diversas cidades. Dessa vez escolhemos falar sobre isso, de quem fez essa travessia, veio de fora, colocou suas coisas num barco e vieram para essa terra prometida que foi Santa Catarina. Fizemos diversas pesquisas, cada música que era escolhida a gente olhava versões para ter certeza de que fosse algo representativo de fato, reconhecido e valorizado pelo povo que a gente homenageou. Todas as faixas trazem alguma lembrança da terra natal ou do próprio processo de imigração, histórias que costuraram o álbum. 

Ficha técnica

Iva Giracca: Violino
Mario Marçal Jr.: Violino e masterização
Mariana Barardi: Viola
Raphael Buratto: Violoncelo e arte da capa
Javier Venegas: Arranjos
Beto Fonseca: Captação e mixagem
Foto: Raphaella Cavalheiro