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Foto: Nicho Marques

“Cabeça feita”, álbum de estreia de Kia Sajo, lançado no dia 26 de maio nas plataformas digitais, é um apanhado da identidade artística que a cantora e compositora vem construindo desde a sua estreia, em 2017, com “Presa no ar”, que foi regravada para esse material. O disco traz nove faixas e conta com músicas mais antigas, como a já citada, além dos singles mais recentes como “Tarot”, divulgado em março, “Cores quentes” e “Sal na pele”, que saíram no ano passado, e “Mel e jasmim” (2024), e composições inéditas. O destaque fica para a canção batiza o registro, que tem a participação especial do cantor Xande de Pilares. “Cabeça feita”, inscrito para avaliação no Grammy Latino, do qual a artista é membro associada, foi produzido por Marcel Sousa e Ruan Soares (Indium), e tem Grego Jardim como instrumentista convidado, repetindo a parceria do EP “Onda máxima”, de 2023 — confira a ficha técnica abaixo.

O álbum é um trabalho representativo na carreira de Kia, não só por ser o seu primeiro, mas por preservar duas diretrizes importantes na sua música: a liberdade criativa, de não se prender a um rótulo, e o peso das letras no seu processo de composição. “Existe um fio condutor no “Cabeça feita”, de vibe e de som, mas o que define muito isso é a minha lírica, a provocação que tem nas letras, a minha escrita conecta muito todas as faixas, é o que transforma esse trabalho em um álbum e não numa mixtape. Foi uma coisa muito bem pensada. Eu me preocupo muito com a palavra, com o peso que ela carrega e com o que ela deixa implícito também”, explicou a artista. Esteticamente, “Cabeça feita” é muito brasileiro, como no samba com Xande de Pilares”, mas também carrega elementos latinos e da música pop. Em contato com o Rifferama, Kia Sajo falou sobre a sonoridade híbrida do álbum.

— “Cabeça feita” tem características de um álbum de estreia mesmo. Estou cada vez mais desprendida dessa coisa de gênero. Respeito muito os segmentos, acho importante beber de várias fontes, nunca quis me colocar dentro de uma prateleira na indústria. A minha grande referência é a Gal Costa, que fez música romântica, dançante, tropical, ela transitava por vários lugares. A minha música é sobretudo brasileira. Adoro fazer MPB fresca, envolve, gostosa, até latina, acho que todos os gêneros que transito têm essa pegada. O samba é latino e quente. Meu som é provocativo, tudo que lancei até hoje é muito fixo na música brasileira, mas sempre gostei muito de experimentar texturas e ritmos. Eu fui livre fazendo esse álbum. Cada música foi encontrando seu próprio caminho sonoro, de acordo com o que pedia, e isso acabou moldando essa identidade mais híbrida do álbum.

“Cabeça feita” será realizado um evento de audição gratuito na próxima terça-feira (16), a partir das 20h, no Etecetera Casa, no Rio Tavares, em Florianópolis. Mais informações

Ficha técnica

Direção de arte: Kia Sajo e Nicho Marques
Produção musical: Marcel Sousa e Ruan Soares (Indium)
Instrumentista convidado: Grego Jardim
Mixagem: Daniel Felix
Masterização: Fernando Delgado
Assistente de masterização: Bruno Martuchello
Assistente de fotografia: Gustavo Hugh
Design gráfico: Nicho Marques
Marketing e Imprensa: Release Music
Estratégia digital: ch.ART
Empresário: Diego Lemos
Selo: Ternário Music
Distribuição: Symphonic Brasil
Edição: Universal Music Publishing BR

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Foto: Gustavo Remor Moritz

Ana Schurmann, 29, começou a rodar o mundo ainda adolescente, quando foi emancipada pela família para trabalhar em Nova Iorque, nos Estados Unidos. Modelo internacional, cantora e compositora, multi-instrumentista, pesquisadora, filósofa, designer, pintora… a manezinha que é radicada em Londres, no Reino Unido, tem um currículo para algumas vidas. Entre tantos feitos, um evento recente ficou marcado na trajetória da artista catarinense: a apresentação nos 100 anos da Ponte Hercílio Luz, no dia 13 de maio. Na ocasião, Ana apresentou “On Us”, canção que foi gravada com a Camerata Florianópolis para a segunda temporada do projeto Nossa Música SC, o hino “Rancho de Amor à Ilha”, e a “Sinfonia do Universo” (saiba mais). Além disso, a multiartista se apresentou com a Neck Lyre, instrumento que une alta joalheria e ciência que foi tema de matéria na Forbes Brasil, e também com um vestido que se transforma em guarda-chuva.

Fluente em nove idiomas, Ana Schurmann escreveu dois livros filosóficos e tem mais de 500 obras registradas como compositora. A sua atuação pode ser dividida em três áreas: a artista se divide entre o pop, os temas eruditos de piano e a música científica, que é a sua nova empreitada. Neste ano, a cantora divulgou três singles comerciais, “Heaven”, “Forever” e “Theory of Life”, além de uma versão orquestrada para “Wonder” e um trecho de como soa a Neck Lyre. Nos próximos meses devem ser lançados vários trabalhos nas plataformas digitais, incluindo uma sequência para o álbum inspirado em números primos, que saiu no fim de 2025, uma canção romântica e mais. Em contato com o Rifferama, Ana Schurmann falou sobre os seus projetos futuros envolvendo a ciência, incluindo um aplicativo que promete revolucionar a forma que as pessoas compreendem a música.

— Sou a primeira artista do mundo a decodificar uma sinfonia científica do universo. Junto com cientistas, conseguimos traduzir a escala para tocar no piano, achamos uma escala gravitacional que não existe, é uma coisa muito curiosa, que toquei lá na celebração da ponte, com essa escala e o instrumento. Existem três álbuns, um todo de música clássica, só de piano, que faz referência a números primos, depois tem um de músicas comerciais que ainda estou lançando, para cantar em shows, e o álbum que deve sair no final do ano, abrindo as portas para a música científica, que é tudo que veio antes da gente e da IA. A música já existia antes da gente, os padrões, são decodificações científicas. Cada música do álbum está sendo feita com PHDs de áreas diferentes, estamos fazendo a primeira música de uma vida cíclica de uma estrela. Tem muita gente comigo, estamos fazendo muitas coisas bonitas, criando um aplicativo onde todas as pessoas serão os decodificadores, poder identificar a sonoridade de um padrão da água ou uma folha. O objetivo é responder a pergunta o que é música. A música científica ajuda a gente entender como começamos a criar música, queremos ter um banco de dados para conseguir comparar e responder essa pergunta.

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Foto: Shay Ng

Nesta quinta-feira (28), no SESC Pompeia, em São Paulo, a Exclusive os Cabides começa mais uma turnê pelo país. Foram mais de 40 shows no ano passado divulgando o segundo álbum “Coisas estranhas” (2024), destaque em diversas listas como a da APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte), entre outras publicações, além de apresentações em festivais como Popload e Arvo e casas como o Circo Voador. Durante esse tempo na estrada, João Pretto (voz e guitarra base), Antônio dos Anjos (voz e chocalho), Eduardo Possa (guitarra solo), Maitê Fontalva (baixo) e Carolina Werutsky (bateria) sentiram falta do Ouié Studio, na Armação, e gravaram um material para ser tocado ao vivo: o resultado foi “Feliz e triste ao mesmo tempo”, EP lançado na última sexta-feira (22 de maio) nas plataformas digitais. A produção é de Paulo Costa Franco. Até o momento, a banda tem 18 shows marcados e toca pela primeira vez no Nordeste, incluindo a participação no DoSol, em Natal — confira as datas abaixo.

“Feliz e triste ao mesmo tempo” tem sete faixas e traz uma pegada roqueira, mais de banda, com a proposta de fazer o público dançar. “Talvez por fazer muitos shows seguidos, a gente queria essa onda, trazer as músicas mais fortes e rápidas para fazer as pessoas dançarem. A gente fez no estúdio o que já rolava nos shows, guitarra base, bateria e baixo ao vivo, o Duds dá uma solada, a gente canta em cima, bota um chocalho e acabou”, comentou o vocalista Antônio dos Anjos, autor de “Gaita em formato de trem” e “Espirros infinitos”; João Pretto escreveu o single “Bicicleta”, “Gato chinês”, “Fazer qualquer coisa hoje” e “Castelos de areia”; a banda assina “Notlin vs. Smelectron”. Crescendo a cada novo trabalho, a Exclusive os Cabides está melhorando a sua estrutura para continuar chegando em mais lugares. Em contato com o Rifferama, a baterista Carolina Werutsky falou sobre a sonoridade do EP e a expectativa para apresentar essas canções ao vivo.

— Como a gente fez muitos shows e as músicas nasceram nesse contexto, a gente quis replicar isso. “Feliz e triste ao mesmo tempo” nasceu muito dessa coisa do ao vivo, a gente tocou tanto as músicas juntos que fazer elas do jeito que elas nasceram foi uma boa escolha para experimentar e ser um EP. Para o álbum vamos ter mais tempo para trabalhar ideias e fazer uma coisa diferente. A gente está fazendo um trabalho bem forte, a gente rodou muito no Brasil, tem muito o boca a boca também, a galera vai no show, fala para o amigo, quando a gente volta, vai mais gente. Foi se criando algo orgânico e também planejado da nossa parte, as duas coisas precisam caminhar juntas. A gente ainda tem um caminho longo a perseguir, muitas cidades para visitar e muito o que crescer. Vamos revisitar vários lugares, tocar em novos, estamos animados para tocar essas músicas que acabamos de gravar, vai ser bem legal.

Cronograma

28 de maio — São Paulo (Sesc Pompeia)
29 de maio — Taubaté (Lapa Public House), com Eliminadorzinho, Mães Católicas e Tangolo Mangos
30 de maio — São Carlos (Mess Bar), com Ottopapi
5 de junho — Porto Alegre (Espaço Cultural 512), com Pelados
6 de junho — Florianópolis (Célula Showcase), com Pelados
4 de julho — São Paulo (Bar Alto)
24 de julho — Maringá (Tribos Bar), com Samuel Amaro
25 de julho — Curitiba (Basement Cultural), com Caco Concha, Tangolo Mangos e Carmino
26 de julho — Ponta Grossa (Tabacabeça Bar & Headshop), com Caco Concha
8 de agosto — Brusque (25º Rock na Praça)
9 de agosto — Balneário Camboriú (Arthouse BC), com Sofi Frozza
14 de agosto — São Paulo (Museu da Imagem e do Som)
15 de agosto — Belo Horizonte (Estúdio Central)
16 de agosto — Santo André (74Club), com Nevoara
21 de agosto — Rio de Janeiro (Audio Rebel), com Pedra Relógio (convidado especial: Rod Krieger)
22 de agosto — Juiz de Fora (Maquinaria), com Pedra Relógio (convidado especial: Rod Krieger)
26 de novembro — João Pessoa (Vila do Porto), com Flau Flau
28 de novembro — Natal (Festival DoSol)

Ficha técnica

João Pretto: Voz e guitarra base
Eduardo Possa: Guitarra solo, pré-produção e direção
Maitê Fontalva: Baixo e voz de apoio
Carolina Werutsky: Bateria
Antônio dos Anjos: Voz e chocalho
Paulo Costa Franco: Produção, mixagem e masterização (Ouié Estúdio)

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Samuel Góes e Samuel Hum são duas personas distintas. Enquanto Góes é professor e escritor, com livros publicados, Hum é cantor e compositor. Ambos prolíficos. Desde a sua estreia em 2021 com o EP “Mudança”, o artista já lançou nove álbuns nas plataformas digitais. “O trabalho com a literatura é um pouco diferente do trabalho com a música, de modo que achei interessante não convergir”, explicou ao portal. A relação com a música começou ainda criança, na igreja, onde se interessou pelo coral infantil e logo começou a participar. Vieram os discos de vinil, o violão e a descoberta de referências como Djavan, Roberto Carlos e Legião Urbana. Na pandemia, Hum comprou um teclado para arranjar as suas próprias canções e não parou mais de produzir. Com “Alguma concentração”, divulgado no dia 13 de abril, o artista chegou a 123 fonogramas registrados de um catálogo que compreende milhares de composições. “Depois de mais de 35 anos, acho que aprendi a fazer canção. Tenho facilmente mais de três mil canções, componho desde os 14 ou 15 anos”, informou.

O processo de produção do cantor e compositor é bem simples. Em algumas músicas a base vem pronta do teclado arranjador, às vezes Hum conta com a participação de amigos instrumentistas e então grava a voz e o violão. A forma de registrar as suas canções acabou dando uma unidade estética para a sua discografia. Claro que existem algumas nuances e ritmos diferentes aqui e ali, mas em suma, a obra do artista tem uma sonoridade que se repete álbum após álbum, algo que é motivo de orgulho para o seu criador. “Alguma concentração”, título levado também para a arte da capa, fala sobre o mundo em que a gente vive atualmente, onde as pessoas não prestam mais atenção nas coisas que realmente importam. Diferente dos registros anteriores, que quase sempre começam com músicas com letras abordando questões sociais, o novo disco abre falando de amor, ainda que inventado. Em contato com o Rifferama, Samuel Hum falou sobre as suas inspirações e identidade artística.

— Todas as canções de amor que escrevi são inventadas, nenhuma é autobiográfica. Minha vida é comum demais para que eu a considere fonte de inspiração. Sou bastante recluso, um solitário conhecido. Tenho canções sobre muitos temas, algum talento para música e pouquíssima vocação para a profissão de músico. As minhas canções não parecem com nada que existem, eu acho. Do ponto de vista de como as canções resultam, acho que elas não se parecem com nada, tenho um jeito bem específico de fazer música e produzo de um jeito também, como é caseiro, bem simples, soa de um jeito que não parece com nada. Eu fico feliz por isso, embora saiba que muita gente se incomoda, eu não me importo. Acho que tenho um certo bom gosto para produzir. Ainda não sou capaz de investir nisso, para o bem ou para o mal.

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“Hipnose”, segundo álbum de Koyoffe (Vinícius Delly), divulgado na última sexta-feira (17) nas plataformas digitais, é uma sequência natural para “Hemera”, seu disco de estreia, que saiu em 2021. O cantor, compositor, multi-instrumentista, produtor musical e diretor de vídeo divide seus lançamentos por projetos, ou eras, como costumam chamar os artistas da indústria, cada um deles sendo um universo próprio de cores, temáticas e sonoridades. Enquanto “Hemera” tinha o vermelho como tonalidade guia para a estética das fotos, clipes e artes, em “Hipnose” predomina o verde, representando a maturidade do seu trabalho como músico, que começou em 2019 em Florianópolis. Com dez faixas, “Hipnose” foi produzido inteiramente por Koyoffe, com mixagem e masterização de Sthorm (Cauã Rodrigues), que também foi responsável pelo instrumental de “Violeta”. O álbum tem as participações de Sophii Bomm e predo nos vocais em “Estrela-guia” e “Ushanka”, respectivamente, e Derek Luan nas guitarras em “Pesadelo” e “Véspera”.

Conceitual, “Hipnose”, segundo o artista, é como se fosse uma terapia para “Hemera”: ambos os nomes foram retirados da mitologia grega; Hemera é uma deusa que representa a luz e está associada à mente humana, enquanto Hipnos, deus do sono, personifica o descanso, silêncio e a estabilidade. “Passaram seis anos do primeiro álbum, são letras novas, tem meus pensamentos sobre a vida, amor, futuro, eu reflito sobre isso. É um álbum sobre o meu amadurecimento, por isso ele tem essa cor, que representa natureza, cura, é uma reflexão sobre as coisas pelas quais eu passei”, comentou o cantor e compositor. Musicalmente, o álbum é ainda mais diverso que “Hemera”, trazendo referências de estilos como pop, rock, rap, R&B e eletrônico.  Em contato com o Rifferama, Koyoffe falou sobre a influência do ano 2000 (nasceu em 30/10/2000, como a música “Véspera de Halloween”) no conceito e na estética de “Hipnose”.

— Eu sempre fui muito fissurado em visuais, sou designer gráfico e editor de vídeos, comecei a postar coisas na Internet aos 11 anos, sempre gostei de ter uma capa bonita, uma foto boa, uma direção legal nos clipes e a música foi onde encontrei tudo isso. Separo os álbuns por estéticas e tenho controle sobre isso. “Hipnose” vem com essa ideia dos anos 2000, tem essa estética com câmera Cybershot, uma ideia meio Playstation 1, mais descontraído, que se reflete nas roupas, estilo das músicas e tudo mais. O “Hemera” tem uma vibe mais anos 80 e mostra uma coisa mais dramática, pro lado do terror. Eu me baseio muito no Twenty One Pilots, eles têm esse lance das eras e elas se encaixam. Um álbum de 2015 se encaixa no de 2025 que eles soltaram, gosto muito disso e quis fazer isso com os meus projetos, separar por cores e ideias, mas todas elas conversarem. Pode ser que isso mude, mas é o que gosto de fazer.