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Foto: Pedro Martins Basso

A existência do Monnas (sem nome em francês) Project só pode ser coisa do destino. O músico Christiano Poletto (voz, teclado e violão) deixou Florianópolis em 2020 para fazer um mestrado em Montpellier, na França, e assim que chegou na cidade começou a procurar pessoas para tocar. Uma semana depois, o lageano acabou conhecendo o manezinho Vitor Mascheretti (voz e guitarra), outro estudante da UFSC, e logo começaram a ensaiar. A banda passou pela pandemia, teve a participação de outros instrumentistas, com a artista local Sandra Benoni (voz, teclado e arte gráfica) como a integrante mais regular. Entre a formação do grupo até o lançamento do single “Fauves”, em dezembro de 2025, Poletto morou na Itália, voltou para a França, mas para outra região, e depois retornou para a sua cidade natal, onde as duas faixas foram gravadas em uma das visitas de Mascheretti à Santa Catarina — o Monnas Project tem bastante material em vídeo no Youtube.

“Fauves” (feras em francês) foi produzido por Stefan Duarte no Fatboo Studio, em Lages, e teve as participações de Augusto Vedana (baixo) e Cristhian Savegnano (bateria), companheiros de Poletto na Calafate. A sonoridade do registro é bem orgânica: tudo foi feito em estúdio, inclusive os sons de bichos, sem uso de IA. “Não é uma questão de princípio, a gente não descarta usar no futuro. A nossa ideia é tentar criar o máximo de imagens no som”, comentou. “Mapinguari” e “Monstro de lama” foram criadas da mesma forma, em um processo livre, misturando todas as influências em uma jam e jogando as palavras sobre o instrumental, como num trabalho de montagem, organizar e escrever. A base da estética do Monnas Project é o rock, mas a banda tem mais de 20 composições prontas para serem gravadas que vão do reggae ao folk, passando pela música latina e experimental. Em contato com o Rifferama, Christiano Poletto falou sobre a musicalidade e o futuro do grupo.

— A gente sempre busca trazer simbolismo nas letras, são mais ilustrativas do que descritivas, pensando em cenários, interações, essa estética chegou de uma forma meio natural, de não julgar a ideia que vem e tentar trabalhar com isso, estruturar a inspiração do momento. Foi uma química musical entre a gente de uma forma que a gente se reunia e saía uma música, temos muita afinidade. “Mapinguari” é baseada em um mito da Amazônica, como se fosse um guardião da floresta e imaginamos isso, uma guerra dos bichos da selva que se vingam conforme a destruição vai avançando. Todo mundo participou do processo de composição, da letra e melodia, é difícil dizer o que é de quem. Fizemos um show na França que está gravado no Youtube, a gente tem o sonho de fazer uma turnê para divulgar essas músicas no futuro, aqui e lá. A logística acaba atrapalhando, mas o nosso plano é gravar um clipe e eu ir para lá gravar um acústico e continuar fazendo a distância. 

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Foto: Daniela Leindecker

Em 2024, a cantora e compositora Bia Barros queria participar do show de calouros realizado no auditório do DMU (Departamento de Música) da Udesc e acabou formando uma banda para tocar “Fade Into You”, do Mazzy Star. No mesmo ano, o grupo, batizado de Bia e os Foda-se (ou BFDC) gravou o seu primeiro registro, o audiovisual “Tiny Foda-se”, divulgado no começo de abril apenas no Youtube. Na época da gravação, que aconteceu em outubro de 2024 na casa do baixista Ícaro Sereno, em Florianópolis, a banda contava com Bia Barros na voz e no violão, os guitarristas Tito Flexa e Henrique Moreira e Juan Corvalão na bateria. Todas as oito faixas, incluindo o hit “Não me chame de Clarice Falcão”, foram escritas pela vocalista. A direção do material é de Isabelle Spaniol e Marcel Junior — confira a ficha técnica abaixo.

Com uma estética que pode ser denominada de rock alternativo, Bia e os Foda-se fazem um som com referências diversas, principalmente a dobradinha shoegaze e dream pop, mas também MPB e reggae (sim!). O destaque são as letras e a postura irreverente da vocalista, que mistura música e humor no palco, contando piadas e histórias de improviso. “É tudo ligado à personalidade da Bia, que nos shows vira um stand up musical. No “Tiny Foda-se” nem aparece tanto, mas nos shows isso é presente e queremos fazer isso no som do disco também”, contou o tecladista Luigi Casagrande, que se juntou ao grupo junto com Vini Fonte (guitarra) para substituir os antigos guitarristas. Investindo na divulgação do audiovisual no Youtube, a banda pretende lançar um single ainda neste ano enquanto prepara o álbum de estreia para 2027, com as canções de “Tiny Foda-se” em outra roupagem. Em contato com o Rifferama, Bia Barros sobre a inspiração para o nome e os próximos trabalhos do quinteto.

— Quando começamos a ensaiar ficou uma coisa muito mais do que eram as minhas músicas, a sonoridade mudou, falar que era o projeto da Bia Barros era um pouco estranho. Ficamos um tempão pensando em colocar um nome como banda de apoio, mas nada a ver, ninguém gostava de nenhum. Tenho um amigo que faz música na Udesc, o Pedro (Barrique Bosahen), ele estava tentando fazer o projeto dele ir para frente, mas sempre trocavam os músicos e ele nunca sabia com quem ia tocar, então ele colocou só “Pedro e Foda-se”. Achei a história engraçada e guardei, um dia falei para os guris e todo mundo gostou, com a bênção do Pedro para a gente usar. Queremos lançar um single antes do álbum, de uma música que a gente tem tocado nos shows, não é exatamente um samba-rock, mas também é. Queremos explorar bastante a produção em estúdio, que traz muitas possibilidades de camadas que a gente não tem como fazer ao vivo. Estamos pensando também sobre o Tiny ser lançado nas plataformas mais para frente, como é um trabalho audiovisual, queremos que as pessoas vejam e não só escutem. 

Ficha técnica

Voz e violão: Bia Barros
Baixo: Ícaro Sereno
Bateria: Juan Corvalão
Guitarras: Henrique Moreira e Tito Flexa

Áudio

Captação: Leon Corvalão
Edição: Luigi Casagrande
Mixagem: Luigi Casagrande e Marcos Gruchka
Masterização: Marcos Gruchka

Vídeo

Direção e roteiro: Isabelle Spaniol e Marcel Junior
Direção de produção e assistência de fotografia: Isabelle Spaniol
Assistência de produção: Maisa Freitas
Direção de fotografia, color grading e desenho de som: Marcel Junior
Direção de arte: Júlia Dalri
Cenografia: Júlia Dalri e Gabriela Schuelter Tomczyk
Figurino: Gabriela Schuelter Tomczyk
Montagem: Marcel Junior e Pietra Foppa
Agradecimentos: Amora, Brendon Motta, Dalton Medeiros, Daniela Leindecker, Guilherme Hardt, Luigi Casagrande, Miguel Siqueira e Molly, a tartaruga

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Foto: Carolina Borges

Em 2025, a brøken, de Balneário Camboriú, apresentou o seu primeiro álbum, “badtrip”, um lançamento fora da curva no cenário independente de Santa Catarina, e quase encerrou as suas atividades com a saída dos guitarristas Lucas Wüppel e Guther Toss. Após um período de indefinição, Kim (voz), Bruno Parucker (baixo) e Ariel Boff (bateria) convidaram Lucas Lara (Crowning Animals, Curitiba) para o projeto e decidiram seguir em frente como um quarteto. O primeiro single dessa nova etapa não tinha como receber outro nome. “Recomeçar”, divulgado na última quinta-feira (30 de abril), com videoclipe gravado por Henrique Baptista, também traz uma versão diferente do emocore rajada, termo cunhado pela própria banda para descrever a sonoridade, que mistura peso, atitude e uma cara própria. A produção, captação, mixagem e masterização da faixa ficou a cargo do vocalista.

Lucas Lara foi uma escolha fácil para o posto de guitarrista. As duas bandas já tinham feito shows juntas e o músico tinha trabalhado com a brøken fazendo a identidade visual (a capa e os vídeos) do “badtrip”, então quando houve a necessidade de pensar em um novo integrante para o grupo, o seu nome foi o primeiro que a apareceu. “A gente tentou fazer em trio, mas um som detalhado como o nosso é difícil tocar e cantar guitarra. No primeiro ensaio com o Lucas a gente já viu que dava para trabalhar juntos”, afirmou o cantor e compositor. Com referências de bandas como Deftones, Linkin Park e Fresno, “Recomeçar” tem uma sonoridade mais orgânica em comparação ao álbum de estreia, que misturava diversos estilos, com elementos eletrônicos, rap e um estilo de produção bem moderno, que segue como marca registrada da banda. Em contato com o Rifferama, Kim falou sobre esse novo momento da brøken.

— A gente quer seguir essa parada do emocore meio new metal. Eu já estava há um tempo querendo fazer um som mais simples, com riffão gordão, aquele riff com a mesma nota insistente, acho que a gente achou uma identidade ali, com toda essa salada, um meio termo. Estou vendo em várias bandas novas essa parada do som mais orgânico, fazendo propositalmente um som mais cru, mais mal feito, é uma coisa que estou achando legal. A gente é bem detalhista, nerdão, mas estamos tomando cuidado para não ficar enchendo de camadas ou muita edição. Esse som gravamos mesmo de execução direta, estou curtindo fazer isso e acho que vamos fazer umas paradas massa. Temos outros sons mais ou menos nessa mesma pegada, estou bem animado para lançar e tocar ao vivo, é um som feito realmente para ser foda e tocar ao vivo. Temos datas em Balneário Camboriú, em Curitiba também, e estamos procurando outros lugares e oportunidades.

broken é:
🧟‍♂️ kim (@imlosingtrackoftime)
🎅🏻 ariel (@arielboff)
🍕 parucker (@parucker)
🍄 lucas (@lucazlara)

vídeo | direção | edição
🎥 henrique baptista (@henriquebapp | @bap.films)

assistência | dop
🎥 lucas lara (@lucazlara | @delara.lab)

prod/mix/master:
🧟‍♂️ kim (@imlosingtrackoftime)

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Samuel Góes e Samuel Hum são duas personas distintas. Enquanto Góes é professor e escritor, com livros publicados, Hum é cantor e compositor. Ambos prolíficos. Desde a sua estreia em 2021 com o EP “Mudança”, o artista já lançou nove álbuns nas plataformas digitais. “O trabalho com a literatura é um pouco diferente do trabalho com a música, de modo que achei interessante não convergir”, explicou ao portal. A relação com a música começou ainda criança, na igreja, onde se interessou pelo coral infantil e logo começou a participar. Vieram os discos de vinil, o violão e a descoberta de referências como Djavan, Roberto Carlos e Legião Urbana. Na pandemia, Hum comprou um teclado para arranjar as suas próprias canções e não parou mais de produzir. Com “Alguma concentração”, divulgado no dia 13 de abril, o artista chegou a 123 fonogramas registrados de um catálogo que compreende milhares de composições. “Depois de mais de 35 anos, acho que aprendi a fazer canção. Tenho facilmente mais de três mil canções, componho desde os 14 ou 15 anos”, informou.

O processo de produção do cantor e compositor é bem simples. Em algumas músicas a base vem pronta do teclado arranjador, às vezes Hum conta com a participação de amigos instrumentistas e então grava a voz e o violão. A forma de registrar as suas canções acabou dando uma unidade estética para a sua discografia. Claro que existem algumas nuances e ritmos diferentes aqui e ali, mas em suma, a obra do artista tem uma sonoridade que se repete álbum após álbum, algo que é motivo de orgulho para o seu criador. “Alguma concentração”, título levado também para a arte da capa, fala sobre o mundo em que a gente vive atualmente, onde as pessoas não prestam mais atenção nas coisas que realmente importam. Diferente dos registros anteriores, que quase sempre começam com músicas com letras abordando questões sociais, o novo disco abre falando de amor, ainda que inventado. Em contato com o Rifferama, Samuel Hum falou sobre as suas inspirações e identidade artística.

— Todas as canções de amor que escrevi são inventadas, nenhuma é autobiográfica. Minha vida é comum demais para que eu a considere fonte de inspiração. Sou bastante recluso, um solitário conhecido. Tenho canções sobre muitos temas, algum talento para música e pouquíssima vocação para a profissão de músico. As minhas canções não parecem com nada que existem, eu acho. Do ponto de vista de como as canções resultam, acho que elas não se parecem com nada, tenho um jeito bem específico de fazer música e produzo de um jeito também, como é caseiro, bem simples, soa de um jeito que não parece com nada. Eu fico feliz por isso, embora saiba que muita gente se incomoda, eu não me importo. Acho que tenho um certo bom gosto para produzir. Ainda não sou capaz de investir nisso, para o bem ou para o mal.

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Foto: Sérgio Vignes

No dia 6 de setembro de 2025, o cantor, compositor e guitarrista Ronny Mendes reuniu os amigos para celebrar a vida. Mais do que isso. O músico, que na data “comemorava” 20 anos do acidente que o fez perder os dedos da mão esquerda e queimou 15% do seu corpo, apresentou releituras e suas próprias canções, um momento muito esperado e que se materializou com o lançamento de “Zero”. A faixa, divulgada no 10 de abril nas plataformas digitais, foi produzida em São Paulo (SP) por Maurício Hoffmann (confira a ficha técnica abaixo), com gravação de voz realizada em Florianópolis, e marca a sua estreia como artista solo. Com base no rock alternativo, “Zero” traz a perspectiva de alguém obstinado, que mesmo diante das dificuldades pelo caminho não abandonou o sonho de fazer música. E agora não quer mais perder tempo: o próximo single, “Ato eco”, deve sair até junho e outras três estão na fila para ganhar o mundo. 

Nesses 20 anos de vida nova, Ronny Mendes teve de reaprender a tocar guitarra, utilizando uma lap steel adaptada, em que toca a barra de slide presa na sua mão com fitas velcro, o que acabou por mudar as suas canções. Para melhor. “De uma certa maneira, esse acidente que tomou os dedos da mão esquerda me levou a tocar desse jeito e a um formato que as minhas músicas não teriam”, comentou o cantor e compositor. Algumas das suas músicas têm mais de 25 anos e, por diversos motivos, o artista, na tentativa de se proteger de críticas ou comentários maldosos, fez o melhor que era possível para lapidar essas ideias ao ponto de sentir orgulho delas. A maturidade também foi uma questão importante em decidir compartilhar o seu trabalho. Em contato com o Rifferama, Ronny Mendes falou sobre o sentimento dessa estreia.

— Sempre quis fazer de um jeito legal, é uma longa caminhada entre a ideia que surge até o que a gente ouve. Eu achava que precisava construir uma banda e registrar, agora quero formar uma banda para tocar as minhas músicas ao vivo. É o caminho inverso. Eu tive muita resistência (em gravar), a coisa devia vir em um momento que a minha maturidade emocional estivesse em dia para aguentar qualquer bronca. Estou colocando a cara à tapa, é o que consigo fazer, não quero ser nenhum virtuoso, estou muito orgulhoso mesmo. As outras músicas também ficaram legais, com a ajuda da produtora ganharam esse corpo, tenho recebido elogios da música e da letra. Quero fazer as coisas do melhor jeito possível, se a coisa interromper agora, fiz algo que me deu orgulho. A ideia é ir construindo cada vez mais catálogo e tocar ao vivo, me divertir no processo. 

Ficha técnica

Voz e guitarra: Ronny Mendes
Rafael Reis: Guitarra, baixo e teclados
Maurício Hoffmann: Bateria, gravação, mixagem e masterização
Marcelo Fraga: Edição
Maykon “Lontra” Kindermann: Captação de voz
Thiago Mates: Arte da capa